Quelques réflexions sur la restauration des intérieurs anciens

Le thème que j’ai choisi pour ma conférence d’introduction au symposium du 20e anniversaire du Réseau Art Nouveau est celui des résidences privées, car celles-ci ont, selon moi, été à la base du développement de l’Art Nouveau à la fin du XIXe siècle. Construire et meubler une maison, c’était bien plus que simplement abriter sa famille sous un toit tout en se conformant à une couche de la société définie en termes de revenus. Ces critères matérialistes se sont révélés inadéquats. Au lieu de cela, comme l’a dit Mario Praz : “L’environnement devient le musée de l’âme, une archive de ses expériences.”

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Tiled interiors on paper. Trade catalogues as a key source to understand the use of Art Nouveau tiles in Belgian interiors

L’énorme popularité des carreaux de mur et de sol industriels décorés en Belgique est fortement liée au style Art nouveau qui a été mis en avant par des hommes éminents tels que Victor Horta, Henry van de Velde, Gustave Serrurier-Bovy ou Privat Livemont qui ont tous expérimenté le matériau des carreaux de céramique. Mais c’est dans l’œuvre d’architectes belges plus jeunes et moins connus que le carreau Art nouveau a vraiment atteint sa maturité.
À partir de 1896, l’architecture Art nouveau belge est pour une part importante caractérisée par l’abondance de panneaux de carreaux colorés dans les façades, les loggias et les portiques et donc très visible pour le grand public. Cependant, les carreaux de sol et de mur Art nouveau étaient également moins visibles dans les intérieurs des bâtiments publics, des cafés, des magasins et dans l’intimité de la maison bourgeoise, et en particulier dans les halls d’entrée, les salons et les jardins d’hiver qui étaient souvent – étonnamment – très somptueusement décorés.

Plus que l’étude des schémas de carrelage encore existants dans les intérieurs – une fraction seulement de ce qui était autrefois exécuté -, l’étude des catalogues commerciaux permet de mieux comprendre l’utilisation générale du carrelage dans l’intérieur Art Nouveau. Les catalogues de carreaux nous donnent un aperçu plus approfondi de la grande variété d’utilisation de ce matériau, nous informent sur les usines qui fabriquaient ces produits de construction de luxe, nous aident à dater plus précisément les dessins dans les cas où l’on ne connaît pas l’année de construction ou la date de rénovation exacte, et plus généralement ils offrent des informations précieuses sur l’évolution technique et esthétique des carreaux. Les catalogues commerciaux sont donc d’une grande importance pour une connaissance plus approfondie de l’évolution du goût en matière d’architecture intérieure. Les catalogues sont également une source précieuse pour comprendre les différences internationales ou les influences internationales en matière de style et l’énorme succès d’exportation mondial du carrelage Art nouveau belge. En outre, de nombreux modèles de carreaux Art nouveau belges ont été copiés, notamment en Espagne, au Portugal et même au Japon.

L’étude des catalogues de carreaux peut aider à faire les bons choix dans un processus de restauration d’un intérieur en partie perdu. La maison et l’atelier de Victor Horta à Bruxelles sont présentés comme exemple pratique. La maison a été rénovée trois fois entre sa construction et 1911. Pour préparer la restauration de la cuisine du sous-sol, il a fallu identifier et dater les carreaux de mur et de sol afin de cartographier le plus précisément possible les différentes périodes de rénovation.

A case for tresholds: Redifining interior spaces in Art Nouveau architecture and painting

Cet article s’intéresse aux seuils (entendu au sens large : portes, fenêtres, escaliers, etc.) comme révélateurs d’un changement dans la conception et la perception de l’espace dans les intérieurs de maison et leurs représentations peintes. À l’époque de l’Art nouveau, les architectes expérimentent avec les transitions entre différentes pièces de la maison : parois de verre et rideaux remplacent les portes, tandis que la cage d’escalier s’émancipe du cloisonnement de son hall. De nombreux peintres, quant à eux, représentent des intérieurs en mettant en évidence l’articulation de différents espaces au travers de la représentation de seuils. Ces recherches architecturales et artistiques témoignent d’une sensibilité particulière à la fin de siècle quant à la recherche de fluidité et à l’effacement progressif des démarcations spatiales dans les intérieurs.

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A style without a destination: Fyodor Schechtel's Art Nouveau interiors in photography

Au tournant du XX siècle, les institutions artistiques de Moscou jouent un rôle important dans la formation d’artisans et d’artistes en suscitant leur capacité à intégrer les tendances russes et européennes. Inévitablement, tandis qu’un lien est établi entre art, industrie et commerce, l’orientation générale s’éloigne des principes ruraux ou populaires. La renaissance de ces derniers est laissée en grande partie aux mains d’artistes et d’architectes comme Ivan Fomine et Fiodor Schechtel. Pourtant, l’œuvre d’Otto Wagner et de la Sécession viennoise ont largement influencé la diffusion et la modernisation de l’Art nouveau en Russie, en lui ajoutant une dimension alternative. Il est à la fois antirationnel, expression des rêves les plus extravagants, et fonctionnaliste, forme matérielle donnée à l’aspiration socialiste et aux avancées technologiques.

Moscou 1900 doit sa force et sa vitalité à sa diversité, sa complexité, son ambiguïté et ses manifestations paneuropéennes. La lutte des formes qu’elle représente est aussi une lutte de visions du monde ; le nationalisme se confronte à l’universalisme, la science à l’art et les croyances européennes à la pensée orthodoxe. La mission de la photographie reste quant à elle beaucoup plus simple, car elle réussit l’exercice délicat de décrire, traduire et analyser un style très apprécié.

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La maison Paul Luc à Nancy. Documenter un exemple disparu de l'Art nouveau

Le sujet de cet article – et de ma thèse de maîtrise – est un exemple perdu mais bien documenté de l’architecture de l’École de Nancy. La Maison Paul Luc, l’une des plus grandes villas de Nancy, a été construite par deux architectes, peu étudiés jusqu’à présent, Henri Gutton et Joseph Hornecker, pour un riche industriel. La construction a réuni de grands artistes et artisans de l’Art nouveau : Louis Majorelle, Émile Gallé, Jacques Gruber et Edgar Brandt. Malheureusement démolie en 1968, de nombreux éléments de la maison ont été conservés par le musée de l’École de Nancy (rampes, cheminée, vitraux, meubles encastrés, etc.).

En 2015, la donation d’un fonds documentaire par les héritiers des propriétaires, comprenant des plans, des dessins, des devis et des factures de Majorelle, a permis de mieux comprendre les différentes étapes du projet architectural et de l’aménagement intérieur, de replacer les éléments survivants dans leur contexte d’origine et d’avoir un nouvel éclairage sur les activités de la société Majorelle, dont les archives ont brûlé en 1916.

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Solar Symbolism in Stanisław Wyspiański's Design for the Interiors of the House of the Medical Society in Cracow

Stanisław Wyspiański (1869–1907) est l’un des artistes polonais les plus polyvalents du tournant du XXe siècle. Il a apporté une contribution durable tant aux arts décoratifs qu’à la littérature. Ayant étudié l’art à Cracovie et à Paris, il rejoint la Sécession viennoise en 1897.

L’une de ses créations les plus fascinantes est la décoration intérieure de la Maison de la Société médicale de Cracovie (1904), qui est également un rare exemple polonais d’œuvre d’art totale (« Gesamtkunstwerk » en allemand). Placée sous le patronage de Nicolas Copernic, elle fait référence au système héliocentrique et célèbre le pouvoir de guérison du soleil. Pièce maîtresse de cette création : le vitrail qui représente Apollon attaché à sa lyre dans une position évocatrice de l’iconographie de la Crucifixion. L’article met en évidence les références symboliques de la création de Wyspiański en lien avec son œuvre littéraire.

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Le Design Muncunill ou comment un système de compréhension des intérieurs domestiques peut devenir modèle d'identification d'une ville

Lluís Muncunill i Parellada (1868-1931) s’est installé dans la ville de Terrassa, où il a réalisé un large éventail de productions : usines, entrepôts, architecture domestique et, dans une moindre mesure, travaux publics. Il a développé une variante très caractéristique du goût Art nouveau dominant, avec l’utilisation de formes paraboliques, d’arcs surbaissés et de profils courbes dans les portes et les fenêtres, en harmonie avec les toits sinueux de ses bâtiments.

Dans cet essai, nous nous proposons d’aller plus loin et d’analyser comment la grande équipe d’industriels et d’artisans qui ont collaboré avec lui a fini par diffuser ces traits stylistiques – traits qui deviendront un langage identitaire de la ville et peuvent être qualifiés de paysage culturel urbain. Cet article vise à récupérer ces éléments patrimoniaux afin de garantir leur préservation.

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"Le style pieuvre” Art Nouveau interiors and Marine Biology

Au XIXe siècle, la pieuvre est devenue un symbole omniprésent des profondeurs inconnues et insondables de la mer. La peur de cet inconnu se manifeste par sa transformation en une créature monstrueuse dans les œuvres de Victor Hugo, Jules Verne et autres romanciers. Cet article soutient que, parallèlement à ce récit, une interprétation différente de la pieuvre, inaperçue jusqu’à présent, émerge. Dans le cas des intérieurs et objets Art nouveau, le céphalopode incarne constamment le sens du toucher, longtemps négligé dans la théorie de l’art. La physiologie et la biologie marine du XIXe siècle expliquent cette lecture. Lorsque des amas denses de terminaisons nerveuses ont été découverts dans les tentacules de l’animal, la pieuvre est devenue une entité haptique hyperbolique. Dès lors, les spectaculaires représentations en relief de l’animal sur des objets tangibles tels que vases, assiettes, petits bronzes, timbres et manches de cannes reflètent précisément cette association, scientifiquement fondée, avec le sens du toucher.

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A Crucible for the New Man and Woman: A Phenomenology of the Art Nouveau Interior

Il est possible d’envisager les intérieurs Art nouveau comme une séquence dans la longue histoire de la création d’intérieurs spectaculaires et innovants, destinés à impressionner les visiteurs et à symboliser le goût, la richesse et le capital culturel de leurs propriétaires. Les intérieurs Art nouveau ont également été abordés comme un moment fort du design moderne, qui met l’accent sur – l’utilisation de nouveaux matériaux et nouvelles technologies ainsi que de nouveaux principes, tels que la franchise de la construction, la mise en valeur de l’artisanat et le concept de l’œuvre d’art totale. Sans vouloir écarter aucun de ces éléments d’interprétation, cette contribution se concentre sur un attribut des intérieurs Art nouveau qui est bien spécifique — bien que pas totalement unique à ces intérieurs et à leur contexte culturel. De nombreux intérieurs Art nouveau ont été conçus par des artistes et des mécènes comme autant des manifestations d’une forme nouvelle et moderne de conscience. Plus encore, comme des outils de réalisation ou de contribution à cette conscience moderne. Ces intérieurs étaient des espaces pensés pour s’adresser aux individus venant de prendre conscience du fonctionnement de leur esprit et de leur corps. Ils étaient dessinés pour rétablir et protéger les psychés, perçues comme ébranlées et brisées par les pressions de la vie moderne. Enfin, ils étaient conçus pour faciliter la recherche d’une nouvelle unité entre le corps, l’esprit et l’âme, voire une transcendance à un niveau supérieur de l’être.

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La Villa Majorelle à Nancy, comment restaurer un intérieur Art nouveau ?

Les travaux de restauration des intérieurs de la villa s’inscrivent dans un projet plus vaste visant à redonner à ce bâtiment sa gloire d’antan en tant que maison d’artiste en recréant le décor intérieur et en rétablissant le mobilier d’origine, en témoignage des œuvres de Louis Majorelle et du mouvement Art Nouveau de l’École de Nancy. La présente opération fait suite à la précédente phase de travaux, en 2017, qui a vu la remise en état des cheminées d’Alexandre Bigot, la réparation des ardoises de la toiture et le nettoyage des façades. Ce projet d’aménagement culturel et scientifique ne se limite pas à la préservation des intérieurs et des collections : il met également en valeur un espace privé dans le but de révéler comment les gens vivaient à travers l’art domestique, le mobilier et le décor de l’époque, parallèlement à l’exposition permanente du musée de l’École de Nancy.

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In search of Horta: on-site examinations of the decorative finishes and results

Plaidant pour des études préalables in situ, cet article montre comment les examens de finition du second du patrimoine bâti sont un outil indispensable pour “connaître, comprendre et restaurer” les intérieurs Art nouveau. L’examen matériel est un moyen unique de caractériser l’œuvre et ses finitions, et de comprendre son exécution et son histoire, voire de formuler des choix en vue de sa restauration.

Restoring and repairing the staircase in Jugendstilsenteret in Ålesund

Une politique éclairée en matière de patrimoine culturel vise à présenter ce patrimoine comme une source unique de savoir sur les sociétés du passé et comme un support de nouvelles expériences et de nouvelles utilisations. Le Centre national et Musée d’Art nouveau d’Ålesund, installé dans un bâtiment Art nouveau classé, est un exemple de contribution exceptionnelle à cette politique. Soucieux d’exposer et de présenter notre héritage au public comme une source unique de savoir, nous avons atteint un nombre record de 40 000 visiteurs en 2018. Comme son adaptation aux conditions d’utilisation modernes est un défi complexe, la réutilisation et la conservation du patrimoine culturel exigent un engagement, des ressources et des connaissances considérables. L’article présente quelques projets de restauration qui ont cherché à réparer l’escalier en utilisant différentes méthodes et techniques. Il présente non seulement l’étude et la restauration des couleurs et des matériaux d’origine, mais aussi les différents défis liés à la stabilité structurelle de l’escalier comme condition préalable fondamentale de l’utilisation et de l’expérience futures. Une méthode empirique a été utilisée pour la recherche de cette étude de cas, tandis que les indicateurs de stabilité de l’escalier ont été déterminés par une analyse physique et à l’aide de méthodes d’observation et de mesure. Des travaux de recherche et de restauration antérieurs ont été présentés en utilisant une méthode descriptive et en recueillant les données des archives du Jugendstilsenteret.

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À chaque époque, sa technique

Quels sont les critères qui déterminent la qualité d’une restauration ? Luc Reuse, ferronnier, aborde cette question à travers une discussion sur plusieurs des restaurations les plus prestigieuses auxquelles il a travaillé à Bruxelles. Il nous présente notamment le côté invisible de son travail de restauration, qui consiste à rechercher des archives, à identifier et à étudier les techniques de production et les matériaux utilisés, et à appliquer une bonne dose de créativité afin de pouvoir, si nécessaire, construire les outils et le matériel adéquats pour le travail – tout cela au nom de la cohérence. Tout en cherchant constamment à équilibrer le passé et l’avenir, les artisans sont appelés à trouver des solutions qui respectent les normes de sécurité modernes tout en étant adaptées d’un point de vue technique, sympathiques à l’esthétique locale et respectueuses de l’éthique de l’architecte d’origine.

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La papier peint à planche, langage des muts

Le papier peint ne donne pas toujours une bonne première impression. Nous n’aimons pas sa répétition obsessionnelle et ne découvrons ses subtilités que plus tard. Le papier peint imprimé à la planche incarne l’excellence d’un acte libre qui consiste à décorer nos murs, rien de plus. Bien qu’il soit un panneau d’affichage positif pour la décoration intérieure, le papier peint a été bâillonné par l’industrie et réduit à sa plus simple expression, à un idiome de base (motif/couleur), alors qu’il pourrait être le meilleur moyen de laisser libre cours à notre imagination. Inspiré par les multiples méthodes d’enrichissement et de transformation du papier que l’on retrouve dans les vestiges de quelques murs oubliés, l’Atelier d’Offard crée et reconstruit des papiers peints imprimés à la planche en utilisant les techniques artistiques transmises par les graveurs et les papetiers. Et si ce savoir-faire traditionnel a refait surface grâce aux nouvelles technologies, c’est l’artisanat lui-même qui a le dernier mot : depuis la création du papier peint, les grands mouvements architecturaux n’ont cessé de l’embrasser. L’Art nouveau est l’un des meilleurs exemples de cette utilisation du papier pour la décoration intérieure.

Furnishing the Temple of Croatian History and Science. Art Nouveau Interiors of the Croatian National and University Library and the State Archives Building

Ce texte détaille le programme iconographique du bâtiment Art nouveau le plus important du pays : la Bibliothèque universitaire et les Archives nationales de Croatie. Il montre notamment comment la sélection des artistes, des artisans et des entreprises qui y ont travaillé est liée à la particularité de la situation politique croate au sein du royaume austro- hongrois au début du XXe siècle.

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"La mosaïque de mon quartier". Conservation des pavements d'intérieurs à Barcelone : des outils simples pour impliquer le citoyen

La mosaïque de mon quartier est un projet participatif, préventif et de conservation urbaine visant à découvrir, mettre en valeur et conserver les mosaïques de la ville de Barcelone. Grâce à la coopération des citoyens, un “inventaire participatif” de photos de mosaïques a été créé. Près de la moitié de ces œuvres sont de style moderniste. Nous avons découvert des intérieurs privés qui nous permettent d’avoir un aperçu plus complet de l’histoire des mosaïques de Barcelone. Conscients de la richesse du patrimoine mosaïque de la ville, tant public que privé, nous avons réalisé que nous devions engager et impliquer les citoyens pour assurer sa conservation. Le projet comprend des “conseils de conservation” destinés au grand public et présentés sous la forme de protocoles d’intervention simples. L’idée est que toute personne désireuse de conserver sa mosaïque, mais qui n’a pas d’expérience en la matière, puisse faire un premier diagnostic et effectuer des interventions ponctuelles, principalement à des fins d’entretien.

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Le Salon bleu : une œuvre d’art totale au cœur du patrimoine horloger

En 2016, la Ville de La Chaux-de-Fonds a acheté le Salon bleu, une œuvre d’art totale décorée dans le “style Sapin” local. Ce salon de musique, conçu en 1907 pour un important propriétaire d’usine horlogère, est considéré comme l’un des intérieurs Art Nouveau les plus emblématiques et les mieux conservés de la ville. Son ouverture au public s’inscrit dans un vaste plan de promotion de l’Art nouveau chaux-de-fonnier, “patrimoine secret” éclectique et industriel. La recherche, la conservation et la précision historique sont essentielles, mais rendre cet intérieur Art Nouveau accessible au public est aussi l’occasion de trouver des moyens nouveaux et créatifs pour faire découvrir aux visiteurs un courant Art Nouveau riche mais relativement méconnu. L’atelier adjacent du Salon bleu est une porte d’entrée sur l’urbanisme horloger de la ville et sur l’histoire de l’industrie qui a conduit à la création d’un style artistique unique, entièrement inspiré par les forêts et les pâturages du Jura.

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Art Nouveau apartments in Istanbul

Propagé par des architectes étrangers, l’Art nouveau a influencé la période d’occidentalisation de l’Empire ottoman en relation avec l’évolution socioculturelle, technologique, politique et économique. La diversité croissante de la population des quartiers de Galata et de Pera entraîne la construction de nouveaux bâtiments dans les environs de l’avenue İstiklal, anciennement connue sous le nom de Grande
Rue de Pera. Cette étude vise à faire connaître cette question sous-théorisée au sein du tissu multicouche d’Istanbul. Elle montre que l’inaccessibilité, la restauration inadéquate et la remise en fonction abusive nuisent à l’atmosphère spatiale des intérieurs Art nouveau.

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